Miguel de Santiago

Miguel de Santiago (Quito, circa 1620-1633 - ibídem, 5 de enero de 1706) fue un pintor español nacido en la colonia de la Real Audiencia de Quito (actual Ecuador), exponente de la Escuela Quiteña del siglo XVII.

Nacido en el barrio de Santa Bárbara de la ciudad de Quito, actual capital del Ecuador, Santiago era nieto de indios e hijo de los mestizos Lucas Vizuete y Juana Ruiz, quienes lo bautizaron con el nombre de Miguel Vizuete. Quedó huérfano de padre a temprana edad y luego fue adoptado por Hernando de Santiago, que era Regidor y Fiel Ejecutor del Cabildo de Riobamba, de quien tomó el apellido.

No se conocen mayores detalles de su niñez y juventud, ignorándose con certeza sus maestros de arte, aunque se dice que fue alumno de Hernando de la Cruz y que uno de sus discípulos era un indio franciscano de nombre Domingo. En sus primeros años trabajó también con Sánchez Gallque, autor del cuadro de Los Negros de Esmeraldas. Pero según Carmen Fernández-Salvador en su libro Arte colonial quiteño hay evidencias de que Santiago fue discípulo de Diego de Orozco, que consta en 1679 como indio pintor vecino de Quito.

A los 20 años abrió su propio taller y se casó con Andrea de Cisneros y Alvarado, emparentada con Mariana de Jesús, primera santa ecuatoriana. Tuvo cuatro hijos, de los que solo sobrevivieron dos mujeres: Juana e Isabel de Santiago, quien siguió los pasos de su padre y se convirtió en una de las pocas pintoras de profesión en la ciudad.

Murió el 5 de enero de 1706, en la ciudad de Quito. Fue velado en su casa y enterrado en una capilla de la Iglesia de San Agustín, a la que tantos aportes había hecho a lo largo de su vida.⁴

Obra

Su primer trabajo fue ordenado por el padre Basilio de Rivera, del convento deSan Agustín, quien le encargó una serie de 14 cuadros sobre la vida del santo Obispo de Hipona. Esta colección, considerada una de las más importantes de la época, fue inspirada en unos grabados de Schelte à Bolswert (1624) que acababan de llegar de Europa. Cada Cuadro está trabajado con figuras centrales que resaltan la composición, formada de estructuras arquitectónicas, paisajes y distancias atmosféricas. Tras este trabajo, Miguel de Santiago se convirtió en uno de los favoritos de los agustinos, y le valió fama también entre las familias más acaudalados de la época.

Por la misma época inició una serie de pinturas para el convento de La Merced, ordenados por fray Antonio de Onramuño, y a los que tituló "La doctrina cristiana". Pinto la sacristía de la iglesia de Guápulo, donde dejó plasmados con gran realismo los paisajes andinos de la Audiencia de Quito.

Su fama le llevó a la capital virreinal, Bogotá, donde conoció al pintor Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos y le obsequió el cuadro "El Alabado", que hoy se exhibe en la iglesia de San Francisco, templo para el que también trabajó en una serie de once pinturas dedicadas al Ave María y que son consideradas una expresión del vínculo entre Quito y Bogotá. En esa ciudad también pintó una segunda serie titulada "Artículos de Fe" para la Catedral.

Según los cronistas Jorge Juan y Antonio de Ulloa, en su obra Noticias Secretas de América, varios lienzos de Miguel de Santiago fueron llevado a Europa, donde tenían gran acogida, sobre todo en la ciudad de Roma.

Técnica

En su obra, considerada una de las más extensas y complejas del barroco americano, Miguel de Santiago representa el espíritu doctrinal de la época en la que vivió, pues en ella se ven representados los mandamientos, sacramentos, vicios y virtudes relacionados al mundo cristiano y su iconografía.. Relacionó hábilmente el espacio de su trabajo pictórico con el adoctrinamiento de la iglesia católica, de modo que era asequible para el entendimiento de un público medianamente conocedor.

La técnica de trabajo de Santiago, según Juan y Ulloa, está hábilmente resumida también en su obra bajo la siguiente línea:

«el colorido de su obra es sobrio, usa tintes vegetales que él mismo mezcla, predominando los tonos grises, sombríos y el claroscuro»

Leyendas

A Miguel de Santiago se le conoce como un hombre de carácter violento, sobre todo debido a ciertas leyendas sobre sus impulsos criminales, entre los cuales se destacan dos: el ataque a su esposa y el popularmente conocido como "El Cristo de la Agonía".

El primero cuenta que le encargó a su mujer el retrato terminado de un Oidor de la Audiencia, para que esta lo vigilase mientras él viajaba a Guápulo. Mientras la obra se secaba en el patio de la casa, y durante un momento de descuido de la mujer, un cerdo tumbó el caballete sobre el que descansaba el lienzo y este se ensució; asustada la mujer pidió a Nicolás Javier de Goríbar, uno de los mejores estudiantes de su esposo que lo arreglara. Al regresar Santiago, lo invadió una gran cólera al ver que su obra había sido retocada en el área de la mano; entonces despidió a su discípulo y atacó a su esposa con una espada, cortándole una oreja. Luego de esto llegó el Oidor a retirar su retrato, pero tuvo que marcharse debido a que Santiago tenía intenciones de matarlo también. Según algunas crónicas de la época, este hecho pudo ser cierto, pues Miguel de Santiago pidió asilo en el convento de San Agustín durante un tiempo, para así evitar un juicio que le había planteado su esposa, aunque no se sabe a ciencia cierta si se trató de este hecho.

La segunda leyenda, y la más popular, trata sobre un cuadro de Jesús crucificado que le encargaron los agustinos para su iglesia. Obsesionado con lograr una escena lo más realista posible, ató a uno de sus estudiantes a una cruz para copiar sus rasgos, pero no consiguiendo la cara de dolor que buscaba decidió atravesarlo con una lanza por el costado; logrando finalmente la expresión facial que tanto deseaba. Para cuando bajó a su estudiante de la cruz, este ya había fallecido. El cuadro pintado de ese modo, titulado "El Cristo de la Agonía", podría ser según algunos el Cristo a la columna del Museo de Arte Colonial, de Quito. Se dice que el asilo que le dieron los agustinos en su convento puede estar más relacionado con este hecho que con el ataque a su esposa.

Manuel Chili Caspicara

Manuel Chili, también conocido por el nombre artístico de Caspicara, fue un afamado escultor y tallador indígena perteneciente a la Escuela Quiteñade arte del siglo XVIII, de la cual fue uno de sus más importantes representantes. Nació en la ciudad de Quito, por entonces capital de la real audiencia española del mismo nombre, alrededor del año 1720, aunque se desconoce la fecha exacta. Los especialistas suelen situar su fallecimiento en 1796.

Su seudónimo artístico significa cara de madera o cara de palo, y se compone de dos vocablos kichwas: caspi (madera) y cara (corteza); lo que hace suponer que se trataba de un hombre de rostro cobrizo y piel tersa como la madera tallada, ya que no existen retratos o referencias de su aspecto físico.

Según el historiador Jaime Aguilar Paredes, Caspicara se consagró a la imaginería, posiblemente desde muy niño, hasta alcanzar una superioridad y maestría que le colocaron a la cabeza de los escultores de su época, y, sin ponderación, en igual plano al de los más famosos escultores europeos. Alguna fuentes señalan que el propio rey Carlos III de Españaexclamó la siguiente frase elogiando al escultor: no me preocupa que Italia tenga a Miguel Ángel, en mis colonias de América yo tengo al maestro Caspicara.

Obra

Fiel a la norma áurea de la imaginería barroca, cultivó los motivos religiosos tanto en madera como en mármol. Entre sus principales maestros se encuentran figuras como Diego de Robles y Bernardo de Legarda, con quienes trabajó en sus respectivos talleres cuando era joven. Es junto a uno de ellos, Legarda, y el gran Pampite, que Caspicara constituyó la más pura esencia de la escultura colonial quiteña que tanta fama adquirió en las colonia americanas y las cortes europeas.

Como la mayoría de artistas de la época en que vivió, y sobre todo en una ciudad profundamente católica como Quito, Caspicara trabajó casi toda su obra de imaginería religiosa para los altares de las principales iglesias y conventos de la región, aunque sus esculturas también adornarían grandes mansiones y palacios en Europa. Entre sus representaciones destacaban los Cristos crucificados, de gran realismo en sus llagas y heridas.

Varias de sus obras más representativas aún se conservan en museos de Quito y Popayán, entre ellas:

Cristo yacente, en el Museo Nacional (Quito)
Virgen de la Luz, en el Museo Nacional (Quito)
La Sábana Santa, en la Catedral Metropolitana (Quito)
Las virtudes teologales, en el coro de la Catedral Metropolitana (Quito)
Asunción de la Virgen, en la iglesia de San Francisco (Quito)
Coronación de la Virgen María, en la iglesia de San Francisco (Quito)
Virgen de El Carmen, en la iglesia de San Francisco (Quito)
Impresión de las llagas, en la Capilla de Cantuña (Quito)
El señor atado a la Columna de San Pedro a los pies, en el convento de San Francisco (Quito)
Las llagas de San Francisco, en el convento de San Francisco (Quito)
Cristo crucificado, en el altar de la iglesia de El Belén (Quito)
'San José, en la iglesia de San Agustín (Latacunga)

LUIGI STORNAIOLO PIMENTAL

Nació en quito el 9 de junio de 1956 entre amazonas y colon. Hijo legítimo de Bruno Stornaiolo Miranda y de Ángela Pimentel Franco naturales de Nápoles y Quito respectivamente. A los siete años se enfermó de gripe y su padre le obsequió el libro "Cómo dibujar" para que se distrajera mientras guardaba cama. Aún conserva el libro y cree que su lectura fue la primera motivación que recibió hacia el arte. Su madre, muy hábil para todo tipo de artesanías llamó poderosamente su atención. De 12 años comenzó a hacer caricaturas de los principales deportistas de Quito, que su padre hacía pública en "El Comercio" y en "Ultimas Noticias". En 1974 se graduó de Bachiller. Motivado por su padre ingresó a la Facultad de Arquitectura, estudió tres años sin mayores ganas y aprendió nociones de diseño, dibujo técnico y otras técnicas afines. En 1977 abandonó la Facultad y viajó a visitar a sus tíos los Stornaiolo en Nápoles. Fue una época de intensas experiencias, concurrió a Museos, admiró las telas de los grandes maestros y se formó una idea de lo que realmente quería ser en la vida.

Stornaiolo pinta desde hace 32 años y ha participado en bienales como las de Sao Paulo (1987 y 1994) y Venecia (1995). “Luigi ve a la sociedad con una agudeza psicológica y eso precisamente es lo que atrae de su obra, el drama psicológico de estos seres humanos, los seres de Luigi, en este mundo desgarrado pero real. Él devela la cortina falsa de esta sociedad de apariencias, desnuda a estos seres y ve su verdadero yo”, comentó el artista Tony Balseca.
Entre las exposiciones individuales de Stornaiolo figuran la realizada en el Museo Sivori, Buenos Aires (1996); la del Instituto Ítalo Latinoamericano de Cultura, Roma (1999), entre otras. La de hoy será su novena exposición individual.

En 1990 viajó a Melbourne, Australia, país en el que vivió dos años realizando varias exposiciones. Asimismo, participó en salones e hizo trabajos en una corte dibujando los diferentes juicios. En 1991 participó en el Doncaster Gallery, de esa ciudad.

“Luigi tiene los pies sobre la tierra. Sus obras están enfocadas a ciertos momentos de su vida propia y los plasma de una manera auténtica”.

Bernardo de Legarda

Bernardo de Legarda fue un escultor, tallador, pintor y plateroecuatoriano del siglo XVIII, perteneciente a la Escuela Quiteña de arte. Nació en la ciudad de Quito, alrededor del año 1700, aunque se desconoce la fecha exacta.

A pesar de haber pertenecido a una familia mestiza de escasas posibilidades económicas, pudo ingresar a las mejores escuelas de arte de la ciudad gracias a los grandes esfuerzos de su padre, donde aprendió todos los secretos de una de las mejores escuelas del continente.² Se casó con Alejandra Velázquez, también mestiza, pero ella se marchó con otro hombre poco tiempo después, haciendo que Legarda se concentre totalmente en su trabajo aislado en su taller, cercano a la Iglesia de San Francisco.¹

Obra

Hasta su sitio de trabajo acudían diariamente docenas de personas, interesadas en su impecable trabajo con especialidad en figuras sacras.² Entre las disciplinas que cultivó en ese taller figuran la ebanistería, la pintura, la impresión de libros, la platería y, por supuesto, la talla de retablos e imágenes piadosas.¹ Uno de sus mejores clientes era el padre Juan de Velasco, historiador quiteño que se refirió a él en los siguientes términos:

«En lo que conozco del mundo, he visto muy pocas como aquellas muchas. Conocí varios indianos y mestizos insignes en este arte; mas ninguno como un Bernardo de Legarda de monstruosos talentos y habilidad para todo. Me atrevo a decir que sus obras de estatuaria pueden ponerse sin temor en competencia con las más caras de Europa»³

Su invaluable obra artística alcanzó su mayor esplendor entre 1730 y 1773, y se caracterizó por los temas religiosos, retablos y calvarios que aún adornan, en calidad de reliquias, algunos de los más antiguos templos quiteños.² Su primera intervención artística de importancia data de 1731, cuando restauró una imagen de San Lucas para el convento de San Agustín, en Quito.³

Su obra más conocida es la llamada Virgen de Quito (1734), una advocación de la Virgen Inmaculada encargada por lospadres franciscanos para su templo.² La imagen gozó inmediatamente del favor popular, haciéndose de ella innumerables copias e imitaciones que se encuentran en varios países.³ El tipo de Inmaculada creado por Legarda tenía antecedentes en la España del siglo XVII, pero el imaginero quiteño creó una composición jugosa, llena de movimiento y casi musical.³ La Virgen, que lleva los colores azul y rojo en el vestido, alcanza un movimiento airoso en el cuerpo así como en la disposición de las manos.⁴

En cuanto a su actividad como entallador de retablos hay que destacar uno de características barrocas muy acusadas: elretablo mayor de la Iglesia de La Merced (1748-51), concluido por un discípulo suyo llamado Gregorio. De igual manera con el retablo mayor del monasterio de El Carmen Moderno (o Carmen Bajo), que se atribuye al mismo Legarda y a su discípulo Jacinto López.³ También resulta conveniente destacar su tarea como dorador del tabernáculo del retablo mayor de la Iglesia de la Compañía.¹

Entre algunas de sus obras, que adornan las más importantes iglesias quiteñas, están la decoración de la media luna de la cúpula de El Sagrario, la mampara bajo el coro de la iglesia de Santo Domingo, la serie de reproducciones de la Virgen de Quito y asunciones que se encuentran en los templos de San Francisco, Guápulo, Santa Clara y La Concepción. Legarda fue también un hábil platero, además de haber realizado cientos de figuras para los tradicionales nacimientos navideños.

Muerte y legado

Dedicado a sus creaciones artísticas hasta el último de sus días, Bernardo de Legarda murió el 1 de junio de 1773, en su ciudad natal: Quito.¹ Casi todas las iglesias del Centro Histórico de la urbe le deben a Legarda el trabajo del mayor número de sus retablos; él supo convertir las naves de los templos en galerías de arte, en verdaderos museos de arte religioso, consiguiendo de esta manera que el siglo XVIII de la Escuela Quiteña se inclinara hacia el lado de la escultura, en relación con la pintura.

Yela Loffredo

Yela Loffredo Rodríguez de Klein (n. Guayaquil, 22 de julio de 1924) es una escultora ecuatoriana, fundadora de la "Asociación Cultural Las Peñas" y directora del Museo Municipal de Guayaquil.¹ Hija de Salvatore Loffredo Calabrese, italiano y Julia Rodríguez Coello, ecuatoriana.¹

Biografía

Nació en Guayaquil el 22 de julio de 1924.

En 1936, a la edad de 12 años, perdió a su padre debido a un infarto.

En 1939 estudió en el Colegio Nacional Guayaquil y tomó cursos de ballet.

En 1940 conoció a Paúl Klein Wolf quien sería su futuro esposo, luego de salir ganadora en un concurso de belleza.¹

El 13 de mayo de 1942 ocurrió un fuerte terremoto que acabó con su casa y cobró muchas vidas, perdiendo a su madre, por lo que tuvo que vivir con sus padrinos un mes antes de contraer matrimonio con Paúl Klein, con quien tuvo un hijo y cuatro hijas.¹

En 1957 estudió arqueología junto a Presley Norton.

En 1960, debido a los consejos de los amigos de su esposo, decidió estudiar artes en la Escuela Municipal de Bellas Artes siendo discípula de escultura del maestro y rector de Bellas Artes, Alfredo Palacio y en pintura de Theo Constante.¹

En 1966 fundó la "Asociación Cultural Las Peñas" con objeto de enriquecer y motivar el arte en la ciudad de Guayaquil cada 25 de julio, donde a partir de ese momento, tradicionalmente se han hecho varias exposiciones anuales, convirtiéndose así, en un ejemplo a seguir de apoyo concreto a muchos artistas, por lo que se la considera en su ciudad, por su actividad de mecenazgo, "la madre de los artistas".¹

En 1992 su esposo fallece de diabetes.

En 2000, debido a la quiebra del banco ecuatoriano Filanbanco, queda empobrecida, recuperando después poco menos de la mitad de todos sus ahorros.¹

Premio

En 1999 recibe del gobierno del Ecuador el Premio Nacional de Cultura Eugenio Espejo por su gran aporte en las artes plásticas de la ciudad.

Valoración de su obra artística y cultural

Es considerada parte importante para el desarrollo del arte en Guayaquil, siendo la primera escultora femenina y, como tal, la de mayor jerarquía artística del siglo XX.

Artistas mas destacados en Ecuador:

domingo, 12 de junio de 2016

músico mas destacado

Pintores, escultores o talladores

Miguel de Santiago

Obra

Técnica

Leyendas

Manuel Chili Caspicara

Obra

Bernardo de Legarda

Obra

Muerte y legado

Yela Loffredo

Biografía

Premio

Valoración de su obra artística y cultural